新しい社会の美術教師　Art Educator Tatsuwaki Serendipities

　今回は、中学１年生で行っているグラフィックデザインの学習について紹介したいと思います。 　中学校の美術でグラフィックデザインを扱う場合、「色や形の組み合わせを学び、ポスターなどを制作する」という流れが一般的かもしれません。私の授業でも教科書や美術資料を使って基本的な内容を学習しますが、それだけで終わらせないようにしています。 　というのも、グラフィックデザインは教科書の中だけにあるものではありません。むしろ私たちの身の回りそのものが、グラフィックデザインを学ぶための教材になるからです。 　今回はそんな課題意識から考えた私の教材と学習環境について紹介します。 実物に触れられる環境 　私たちの身の回りを見渡してみると、商品のパッケージ、紙袋、ショップカード、パンフレット、ポスター、ロゴ、案内表示など、グラフィックデザインであふれています。そこで今回の授業では、私自身が集めてきたグラフィックデザインの実物や試作品なども教卓に置き、生徒が自由に手に取って見ることができるようにしています。 　例えば、お菓子の箱を手に取ってみれば、表面にどのような色が使われているのか、文字はどのくらいの大きさなのか、紙の質感はどうなのか、箱を開いたときにどのような見え方になるのか、といったことを実際に確かめることができます。 　画面に写真を映して説明することもできますが、実物を手に取ったときには、それとは少し違った学びがあります。 　「思ったより紙が厚いな」 　「この文字、こんなに小さいのに目立つな」 　「箱の内側にもデザインがある！」 　そんなふうに、触ったり、動かしたりしながら発見することができます。 　私はこうした実物との出会いを大切にしています。 　ちなみに私はipad proのパッケージを紹介してグラフィックデザインの面白さを感じてもらう機会にしています。下の写真の左側は私が１０年以上前に購入したipad proのパッケージです。この箱を生徒に見せて、「これは何のデザインでしょう？」と質問すると、 　「ペン！」 　という反応がほとんどです。「こんな大きな箱にペンはないだろ（笑）」とは思いましたが、それぐらい一瞬では何か分からないぐらいipadらしさを封印したデザインということですね。 　答えを待っているとipadという答えが出るクラスもあれば、ずっと出ないクラスもあるわけですが、答...

　今回は手軽に楽しめる版画を紹介します。版画と聞くと、版木を削る凸版のイメージが強い人が多いかもしれませんが、銅板を活用した凹版や、穴にインクを通す孔版、リトグラフやマーブリングなどの平版など、それぞれ特徴的な技法があります。私自身、これまでにブログで孔版のステンシル版画について書いたものもありました。 　今回紹介する版画は、主観的な話ではありますが、私自身がこれまで経験してきた版画の中でも特に手軽な方法であると思っています。それは植物を活用した版画です。これは版画のスモールステップであるだけでなく、画面構成を試行錯誤して楽しむ上でおすすめの方法です。 準備も制作方法も簡単 　この版画をする際に必要なのは画用紙（習字用の和紙でもOK）、水彩絵具、バレンなど平らなもの（なくても大丈夫）、筆、そして野草です。 　一般的な版画はモチーフを描いて、彫ったり切ったりするなどして版を作成しますが、この版画は野草に水で溶いた絵の具を塗り、画用紙を被せてバレンで擦りながら圧を加え、野草をプリントするだけです。和紙であればバレンを使わずとも、手で圧を加えるだけでも十分に和紙が絵の具を吸ってプリントできます。画用紙の場合、プレス機を使うのも良いでしょう。 　薄手の和紙の上から擦ると紙が破けるので、画用紙などを上から被せ、擦っても和紙が破けないよう　にします。 　この技法はコラグラフという、コラージュしたものを版にしてプレス機やバレンでプリントする版画と通じるもので、凹凸を生かした版画になります。コラグラフの場合、画用紙などに凹凸のあるものをボンドなどの接着剤で固定しますが、この版画では固定も不要で、ただ色を塗った植物の上から画用紙を置いて着色させるだけです。とても簡単なので、大人が一緒にやるのであれば幼児でもできると思います。 　野草の凹凸を生かすだけでできる手軽な版画ではありますが、少し手間になるところもあります。それは、画用紙を被せる前に、葉の形を整えておく必要があるということです。あと、エノコログサ（通称ねこじゃらし）のような毛が多くて水彩絵具を弾いてしまうものもあります。このような植物の場合、版画用の粘度の高いインクを活用すると、模様が写し取りやすくなりますので、版画用インクもあればさらに制作が充実すると思います。 身の回りのモチーフを活用して構成や配色を楽しめる 　この版画の...

　先日７月３１日は私が勤務する岡山大安寺中等教育学校のオープンスクールが開催され、体験授業や部活動紹介、展示見学が小学生や保護者向けに行われました。美術科からも作品展示を行い、１年生と２年生は２作品ずつ、３年生は１作品、全員の １学期に制作した絵画 作品を展示しました。 　今回のブログでは展示した作品の簡単な説明と、展示方法についてまとめてみました。良かったら参考にしてみてください。 ダンボールパネルとクリップでスペースを有効活用した展示 　展示は２教室を利用して約450人、７５０作品程度をダンボールパネル（９０×180cm）にクリップで吊るしました。連結クリップで３〜４作品を連結させて、一番上の作品をダンボールにクリップで固定するという方法です。これによってスペースを有効活用して展示することができる上、準備と片付けの時間も極力少なく済むようにしています。 　ダンボールパネルは２枚を連結させ、折り曲げた状態にすることでパネルが自立するようにしました。ただ、パネルは固定しておかないと倒れる可能性もあるので、布テープで端の部分を固定するようにしています。今回は２枚のパネルで自立させましたが、折り曲げる回数を増やしたり、連結させるパネルを増やすことで、より安定して自立させることができるので、また展示の方法は今後工夫を考えてみようと思います。 １年生「自分らしさを見つける絵画」 　１年生の１学期はデッサンや色彩の学習、モダンテクニック、透視図や投影図など絵画の基礎的な知識と技能を短時間の制作を通して学び、最後に学習した内容を活用して八切サイズの画用紙に絵画制作しました。 　今回1人２作品展示にしたのは、８切サイズの作品とそれまでに制作した作品の中から１点一番気に入っているものを選択してもらいました。なので、展示作品はデッサンや水彩画、モダンテクニックを生かしたものなど様々なものになり、小学生に楽しんでもらえるものになったのではないかと思います。 　中学生になったら自分の判断で学んだことを活用し、描きたいものを工夫して描くという美術の面白さを伝えたかったので、このような展示にしました。また、色々な表現に取り組み、実験的に作品を制作 することで自分の表現したいものが見つかったり、それまでイメージできなかったことが閃くようになったり、そんな気楽に造形表現に取り組みつつも、やりたい...

　今回は学校の美術室で行っている掲示物の工夫に関して紹介します。以前にも美術室の掲示物については紹介してきましたが、それらは前任校でのものでした。転勤して２ヶ月以上たち、徐々に掲示物に着手することができるようになってきたので、これから時々掲示物の工夫に関する記事を書いていこうと思います。美術や図工で子どもたちに造形教育を行っている方向けですが、一般的なお家でも普段から造形表現に興味をもって取り組むことができるようにすることは大切なことだと思うので、使えそうなものがあったら参考にしてみてください。 色や形様々な事柄に関し て 学びをサポートする資料 　前任校では可能な限り掲示物を工夫して美術を学べる空間を整備してきましたが、新しく務めている学校ではそういう掲示物がほとんどなかったので、これまでの経験を生かしつつ、さらにバージョンアップした掲示物を作成しています。 　私が美術室の掲示環境を充実させることを大事にしている理由は、海外の大聖堂の内部空間の教育的効果に影響を受けたためです。 大聖堂の内部空間はステンドグラスや壁面を生かした絵画でいっぱいになっていて、文字が読めなくても視覚的に宗教について学ぶことができるようになっています。このような仕掛けを、美術室の空間にも取り入れ、子どもたちが美術について興味をもって学び、主体性を発揮して取り組むきっかけづくりをています 。 　学習資料自体は教科書や美術資料に掲載されていますが、これらの該当ページを探して開く労力を考えると教室の目につきやすい所に資料を掲示しておくことにメリットがあります。詳しいことを知りたければ教科書などで学べば良いですが、 最初の学びのスイッチを入れ、問題意識を持たせるのであれば教室の掲示が有効 であると考えています。 色の体系性 　 　最初に用意した掲示物が色の体系性についてまとめたもので、色相環や混色、トーン、パレットの使い方を説明しています。色相環が生徒の目に触れる場所にあることで、混色について説明するときに非常に役に立ちます。 　意外と色相環の順番を把握していない生徒は多く、これが混色や配色を考える際にも影響しています。 三原色とその混色、色相環を把握し、パレットの使い方がわかれば、色を自由にコントロールする力がつけられます 。そのためにこの掲示物が有効であると考え、最初に用意しました。 透視図法...

　今回は創造力の原点の一つである「ものを並べる造形遊び」について教育的な視点と造形的な魅力の双方から私の考えをまとめました。  　「並べる」という極めてシンプルな行為が、いかに子供たちの美意識の深層に語りかけ、豊かな造形感覚へと繋がっていくのか。日々、美術教室で生徒たちと向き合い、また自分自身も一人の表現者として素材に触れたり、美的なアレンジを仕事や生活の中で行ったりすることを通して、改めてその重要性を強く感じています。 　 「並べて遊ぶ」は非常に手軽にできる造形遊びではありますが、この経験が創造力を育む上で非常に重要な役割を果たします。この遊びは構成が無限のため奥が深く、大人も子どもと一緒になって遊びを楽しめます。 構成美への第一歩 　造形遊びの基本として、積み木やおはじき、あるいは石ころや木の枝といった身近な「もの」を一定の規則で並べる。一見、ただの単純作業に見えるこの行為の中に、実はデザインや美術の根幹を成す「構成美」が詰まっています。 　例えば、同じ形のものを等間隔に配置する。これは美術用語で言うところの「リピテーション（反復）」です。 単一の要素が繰り返されることで、そこには心地よいリズムが生まれます。子供たちは、自分の手によって秩序が生み出されていくことで、達成感や美的な快感を覚えます。 　こちらは私の娘が２歳の時にカエルのおもちゃを並べて遊んでいる写真です。カエルの大行列が形成されていました。本人としては畳の線に沿ってまっすぐに並べたそうで、少しでもカエルが列から外されるとすぐに元の場所に戻して列を整えていました。 　この「並べる」という行為は、さらに高度な構成美へと自然に発展する潜在性を持っています。 中心を意識すれば「シンメトリー（対称）」による安定したバランスが生まれる。 色味を少しずつ変化させれば、視覚的な移ろいを感じさせる「グラデーション（階調）」が現れる。 配置の間隔や向きに変化をつければ、静止した物の中に動きを感じさせる「ムーブメント（動勢）」が宿る。 　幼少期にこうした「並べる遊び」を十分に体験することは、知識として「美」を学ぶ前段階（レディネスの形成）として、極めて重要です。理屈ではなく、自分の手が作り出した秩序を視覚で捉え、その心地よさを実感する。この成功体験の積み重ねこそが、確かな美意識を育む土壌となります。 　ちなみに並...

　今回は色をテーマにした造形遊びについて紹介します。 　先日、ティッシュペーパーを使い切ったので、空き箱を潰そうとした際に、３歳の娘が以前にティッシュペーパーの空き箱をアレンジして恐竜の住むジャングルを作成したのを思い出したのか、「ジャングルを作る」と言い出しました。なので、以前同様、画用紙に絵具で着彩し、パーツを切り貼りしてジャングル作成に取り掛かったのですが、今回はそこから脱線し、パレットを利用した造形遊びに展開しました。 　この造形遊びを通して、改めて造形教育について考えることがあったので、今回はパレットで造形遊びすることの学びとしての可能性についてまとめてみました。 三原色の混色を体験できる仕掛け 　最初は制作の目的である空き箱のジャングル化に向けて、箱と画用紙に直接絵具を出して筆で色を塗り広げるところから始まりました。多くの子どもは絵具を塗り広げるのが大好きで、私の娘も絵具を使う際にはいつも夢中になって色を伸ばし、混色ができることを楽しみながら着彩を進めます。 　 出す絵具の色は最初は赤・黄・青の色料の三原色にして、混色による多様な色の変化を経験できるようにするのがおすすめです。単色で塗りつぶすことが悪いわけではありませんが、色は自分で作ることができるということを遊びを通して認識を深められるよう、私は使う絵具に対する仕掛けの視点を大切にしています。 ただ、それ以外の絵具も使いたければ使えるようにして、色に対する創造と選択の機会を設定しています。 　チューブから絵具をコントロールして出せるようになるまでは大人が適量を画面やパレットに出してあげて、子どもには着彩体験に集中的に取り組めるよう大人のサポートも必要です。私は子どもが自分で絵具を出せない時期のうちに充実した混色経験ができるよう、色をコーディネートすることが大切だと考えています。なぜなら、幼児が自分の判断で「三原色で自由に混色を作ろう」と考えるのは可能性として非常に低いためです。 三色あれば色んな色を作ることができるという原体験があることで、他の色を使う良さも分かるようになりますし、他の色を使う際にも混色で色を自在に調整するマインドセットによって幅広い色彩表現ができると思います。 　このように、 子どもが単独では到達し得なくても、他者の支援や環境によって可能となることがあるということを心理学者のレフ・ヴ...

　美術科という造形教育に携わっていると、生活の中で行うことが造形力につながっていると感じることに日々気がつきます。そんな気づきを今後しばしば取り上げて記事を書こうと思います。 　第１回は「りんごの皮剥き」についてお話しします。もちろん、包丁を使った皮剥きであれば、りんごではなくても良いです。要は、料理などで包丁を使って野菜や果物の皮を剥く経験と技術が造形力につながると言うことをお話しします。 皮剥きは彫刻の感覚を養う 　 りんごは他の野菜や果物に比べてりんごの形が球体に近いため、包丁を使った皮剥きの初歩として適切です 。サイズが大きいので、小学生の低学年には難しいかもしれませんが、高学年になると片手でりんごを回転させながら皮を剥くこともできるようになります。私も小学４から5年生の時にりんごの皮剥きを家庭内では担当することが多くなり、次第に上手になりました。 　皮を薄く剥くためには自然と皮の幅を狭めて切る必要があります。これは直線の刻みを多くすることでより滑らかな曲線が生まれることを体感的に理解することにつながります。 　 中学校の彫刻の授業で、興味深い現象に出会います。平刀で木材の角を少しずつ削り落としていくと、カクカクとした面が増え、それが重なることで滑らかな「曲面」へと変化していきます。しかし、この理屈を言葉で説明しても、理解できる生徒は驚くほど少ないのです。 彫刻経験のある方からすると冗談のように聞こえるかもしれませんが、球体のような曲面を彫刻表現する際に丸刀で彫ってぼこぼこの形にしてしまう生徒が大変多くいます。むしろ半分以上がこれに該当します。窪みの曲面を彫刻することと、球体の彫刻することの違いが彫刻経験のない人には分からないというのが現実です。 　中学１年生に木の工芸品（バターナイフ、箸、スプーンなど）を制作させていると、多くの生徒が丸刀で箸やスプーンの裏側の曲面を彫刻する姿を見てきました。この傾向は１０年前と比べても明らかに顕著になってきていて、バターナイフの刃の部分も平刀ではなく丸刀で削った結果、木がなくなるということが普通に起きます。事前に曲面や刃の部分は平刀で削ることを説明しているにも関わらず、いざ自分で作業をすると適切に彫刻刀を利用できない生徒が多いことを考えると、りんご等の皮を包丁で剥いて滑らかな曲面をつくる経験の重要性が浮き彫りになってきます...

   今回は粘土を利用した美術の教材を紹介します。 この授業では、原始的な造形体験を通して、既成概念から自由になり、美術の本質を感じ取ることを目指しました。 授業では５〜１０分程度で制作できるものなので、スモールステップの教材としても取り組みやすいと思います。短時間で作品ができますが、造形の本質に触れやすい教材なので、おすすめです。 まずは美術史の流れを把握した上で造形の原点へ 　粘土造形自体は１０分以内にできるものですが、私はこの粘土造形の前に、簡単に美術史の学習に取り組ませます。内容は教科書に載っている美術史を簡略化したもので、原始時代から古代、中世、近世、近代、現代の日本と海外の代表的な美術作品のカードを用意します。それを時代ごとに並べ替えるエクササイズをした上で、答え合わせをしながら美術史の流れについて解説をします。並べ替えはグループワークで５分程度で行い、解説も１０分程度で済ませます。美術史について詳しく学ぶのであれば、時間はいくらあっても足りませんが、流れを掴むだけであれば、割と短時間でいけます。内心はたっぷりと時間をかけたいところですが、時間対効果を考えると、知識は広く浅く（美術や社会で既習のものは確認を入れますが、それ以外は作者名や作品名にはほとんど触れません）、美術作品の意味や背景についてはなるべく深くという感じで取り組みます。 　その上で、日本を代表するアーティストである岡本太郎について簡単に紹介し、彼が大きな影響を受けたものとして火焔型土器（縄文土器）を紹介します。 この流れは 一番最初のエクササイズで火焔型土器に触れ、そこから時代が進んで美術が変化していくことを学んだ上で、原始時代の造形の魅力について改めて考えることができる仕掛けにしています 。 　美術がどういう存在であるかを考える上で美術史について把握することは大切です。そして創造の 原点である原始時代の造形について考えることは、美術の本質について迫ることを促します。 原始人になったつもりで粘土造形 　粘土で造形を始めるにあたって、生徒には「原始人になろう」と言って粘土を渡します。現代社会には様々なものが溢れ、私たちは既成の価値や権威的なものに縛られた考え方をしがちです。そんな縛られた世界観で制作に取り組むと造形は必然的に制限されたものになってしまいます。そうならずに自由...